Die Welten hinter dem Bildschirm, in die uns Videospiele einladen, sind tatsächlich einzigartig, bunt, kreativ und für Alt und Jung, Groß und Klein, Erfahren und Unerfahren eine Reise wert, ganz egal ob Kurztrip, Wochenendausflug, Abendspaziergang oder Haupturlaub. Keine bessere Zeit als jetzt, dieses Blog längst überfällig aus dem Dornröschenschlaf zu küssen und ein bisschen Videospieltourismus zu betreiben - mit einer mehr oder weniger regelmäßig stattfindenden Serie von Einladungen in die Welten hinter dem Bildschirm. Bekannte und noch unbekannte Gastautoren übernehmen unter dem Titel #stayathome - und Gute Reise! als erfahrene Tourguides die Reiseleitung und erzählen, wohin jeweils die Reise gehen könnte - als Anregung, Einladung und Einführung auch für all jene, die dieser Welt noch skeptisch gegenüberstehen.

Und weil viele von uns auch Kinder haben, wird auf das gemeinsame Spielen mit kleineren und größeren Videospieltouristen ein besonderer Fokus gelegt - nicht unbedingt streng und trocken im Sinne des “pädagogischen Spielens”, sondern als Angebot eines gemeinsamen Erlebnisses in Zeiten, in denen die eigenen vier Wände eng werden.

Viel Spaß damit, bleibt gesund, bleibt zuhause - und gute Reise!

Vor circa zwei Jahren, da ist er gerade acht geworden, vielleicht aber auch schon ein bisserl früher, habe ich mit meinem älteren Sohn gemeinsam auf der PS4 Chariot gespielt. Ich suche ständig nach sogenannten Co-Op-Spielen, die man zu zweit auf der Couch spielen kann, und "Chariot" war ein absoluter Glücksgriff. Zuvor hatte ich nichts von dem Spiel gehört und – um ehrlich zu sein – auch nachher nichts mehr. Dabei stimmte – für uns zumindest – alles an dem Spiel. Es ist vereinfacht gesagt ein Puzzle-Plattformer und erzählt die Geschichte einer jungen patenten Prinzessin, die sich durch gefährliche Gegenden schlagen muss, um den verstorbenen Leib ihres Vaters an seine letzte Ruhestätte zu bringen, in einem Sarg, auf einem Wagen – dem namensgebenden Chariot. Für Melancholie und Pathos ist trotzdem keine Zeit. Der Geist des verstorbenen Vaters ist wählerisch, er nörgelt gerne und kein Mausoleum mag ihm gefallen Noch grösser muss es sein, noch aufregender die Umgebung. Spielt man zu zweit, kommt noch ein junger Prinz hinzu. Im Tandem ziehen dann die beiden geschickten Sprösslinge den Wagen an Seilen hinter sich her, hieven ihn auf erhöhte Plattformen und müssen dabei ständig darauf achten, dass er nicht umkippt. Sonst endet das Spiel.

„Are we there yet?“

Das Prinzip ist simpel, die Seile sind nur begrenzt lang und es geht vor allem darum, schnell gemeinsam Physik zu lernen, um an die zunehmend schwieriger zu erreichenden Endpunkte zu gelangen. Damit uns nicht langweilig wird ,wird das Ganze dann in verschiedenen Welten durch Glatteis, aufsteigende Lava und Treibsand erschwert und durch kleine hinterhältige Biester, die unsere Schätze stehlen wollen, die wir so en passant einsammeln. Etwas Magie steht uns auch zur Verfügung, mit deren Hilfe wir zum Beispiel die Zeit verlangsamen oder den Leichenwagen wegstoßen können.

Das Ganze fühlt sich erstaunlich dynamisch und natürlich an. Die Lautenmusik und die quietschbunte Umgebung nerven auch nach vielen Stunden nicht. (Keine Ahnung wie das überhaupt möglich ist.) Man kriegt bald ein Gespür für die physikalischen Regeln der Spielwelt und lernt, diese spielerisch auszunutzen. Dabei gibt es immer wieder Stellen, die zumindest meiner Ansicht nach „absurd schwer“ sind. Und es zeichnet das Spiel aus, dass ich gemeinsam mit meinem Buben trotzdem nie aufgab, und dieses eine verdammte Lavalevel halt dreißig Mal ausprobiert habe, bis wir es dann doch geschafft haben. Und ja, das war ein erhabener Moment, den wir da zu zweit geteilt haben. Wir waren wirklich aufgekratzt, Glückshormone, quasi Hilfsbegriff. Eventuell hätten wir uns ähnlich gefühlt, wenn wir gemeinsam ein Baumhaus gebaut hätten oder einen Halbmarathon gelaufen wären. Wer kann das schon sagen? Beides recht unrealistische Szenarios, das nur angemerkt.

„I was told there would be a bright light. WHERE IS MY BRIGHT LIGHT?“

Wer also Lust hat, mit einer oder einem Heranwachsenden ab- geschätzt - acht Jahren ein schönes, intelligentes und witziges Puzzle-Plattformer Spiel zu spielen, der sollte unbedingt nach Chariot greifen.

Chariot, erschienen für PS3, PS4, Xbox One, Wii U und WIndows.

Von Samorostüber Botanicula bis hin zu Chuchel und Pilgrims: Die kleinen, liebevoll illustrierten und fantastisch vertonten Point&Click-Abenteuer sind die interaktiven Erben der berühmten tschechischen Animationstradition. Eigentlich kann man alle bisher erschienenen Spiele des Studios Menschen mit Kindern (und auch ohne!) bedenkenlos empfehlen, mit dem vorletzten Spiel von Amanita Design kann man sich auch mit jüngeren Knirpsen gemeinsam auf den Weg in eine absurde Slapstick-Welt machen.

In Chuchel ist man als kleiner oranger Wollknäuel auf der schier endlosen Jagd nach einer Riesenkirsche; dabei stehen absurd-komischer Humor, überdrehte Slapstick-Action und ganz viel Abwechslung im Mittelpunkt. Im Unterschied zu den anderen Spielen sind die jeweiligen Szenen hier selten mehr als zwei Bildschirme lang, das bedeutet zum einen größere Konzentration auf einzelne Rätsel und zum anderen, dass man das Spiel wunderbar in kleinen und größeren Häppchen spielen kann; einzelne Szenen lassen sich dabei nach erstmaligem Lösen immer und immer wieder besuchen.

Gesprochen wird in Chuchel nicht, oder besser gesagt: in keiner richtigen Sprache. Stattdessen brabbeln sowohl der Held als auch die fantasievollen Figuren in einer expressiven Fantasiesprache, die gemeinsam mit minimalistischer, aber überraschend ausdrucksstarker Mimik und Gestik völlig ausreichen.

Das Schöne an Chuchel ist, dass es immer wieder neue Aufgaben stellt: Meistens erwartet einen klassische Point&Click-Rätselei, in der es meist um die richtige Reihenfolge geht. Es ist keine Schande, hin und wieder die direkt verfügbare Hilfe-Funktion zu nutzen, in der auch ohne Worte per Piktogramm Hilfe gegeben wird; Tüftler ab circa sechs Jahren finden so auch bei den kniffligeren Rätseln schon mal ganz stolz allein zum Ziel. Mindestens ebenso oft gilt es in Chuchel aber kleine Geschicklichkeitstests zu bestehen, und die zitieren die großen Klassiker der Games-Geschichte: Es gibt Hommagen an Pac-Man, Tetris, Space Invaders sowie eine recht ansehnliche Menge an anderen (simplen) Actionspielen, die zum Glück niemals frustrierend werden.

Chuchel ist ein großer Spaß, den man allein ebenso wie gemeinsam mit Kindern spielen kann; selbstständig beschäftigen sich Kinder ab circa sechs Jahren nach einer kurzen einleitenden gemeinsamen Anspielphase damit. Am besten ist es allerdings, dieses Abenteuer gemeinsam zu erleben; auch die ganz kleinen Geschwister haben daran ihren Spaß, denn immerhin gibt’s hier ja sowas wie die interaktive und zugegeben etwas anarchischere Version von Trickfilmen der Sorte Sendung mit der Maus anzuschauen.

Kleine Warnung, immer gültig, hier besonders: Zu viel Zeit am Stück sollte man auch mit Chuchel nicht verbringen. Der überdrehte Humor und vor allem die enthusiastische Intensität der lautstarken Kirschenjagd ermüden die Eltern irgendwann mehr als die begeisterten Kinder.

Chuchel ist für iOS, Android, Windows, Mac und Linux erschienen.

Aus meiner persönlichen Erfahrung heraus finde ich es vor allem wichtig, dass die Kinder selbst eine gewisse Medienkompetenz entwickeln sollen. Ebenso wie einen persönlichen Geschmack übrigens, also eine eigene Meinung dazu, was ihnen gefällt und was nicht. Wenn sie das dann auch argumentieren können, auch wenn sie aus unserer Sicht eindeutig im Unrecht sind, sind sie eigentlich auf einem ganz guten Weg. Ich finde, das hat immer dann gut funktioniert, wenn ich viel mit ihnen gemeinsam gespielt habe.

Das ist jetzt natürlich gegenintuitiv, weil dann verbringt man ja erst recht wieder mehr Zeit mit Kindern. Geht aber nicht anders, wenn man will, dass die Kinder auch in Zukunft was Gescheites spielen. Denn ein erster Blick auf die App-Zentren unserer Handy ist eher ernüchternd: dämliche, übertrieben bunte Apps und Spiele mit unerträglicher Musik, Werbung und den gefürchteten In-App-Käufen. Um Spiele zu finden, die man selbst gerne mit den Kleinen spielt muss man dann schon länger suchen, Freund*innen fragen und auf einschlägigen Seiten – wie dieser – nachlesen.

Und das kann ich nicht oft genug wiederholen: Wenn ich mit meinem Dreijährigen etwas am Handy oder Tablet spiele, muss es mir auch Spaß machen, weil mein Selbstkasteiungstrieb trotz katholischen Religionsunterrichts unterentwickelt geblieben ist. Spiele mit Werbung und In-App-Käufen gehen da gar nicht. Hässliche Ästhetik und unerträgliche Musik auch nicht. Bei mir kommt dann noch erschwerend hinzu, dass ich die meisten populären Kleinkinder-Franchises mit Hundepolizisten, sprechenden Hämmern und Lokomotiven leider nur ganz schwer aushalte und schon schrumpft das Feld potenzieller Spiele auf eine übersichtliche Größe.

Zum Glück gibt es aber trotzdem noch genug: die Spiele von Fox and Sheep zum Beispiel. Aufmerksam bin ich auf die Entwickler über den Streichelzoo von Christoph Niemann geworden, einen Designer und Grafiker, dessen Arbeit ich sehr bewundere. (Es gibt sogar eine Netflix-Doku mit einer Episode zu ihm).

Und das Spiel ist eben einfach wunderschön und zugleich wundervoll unsinnig. Abwechselnd dürfen wir die elegant gezeichneten Tiere Unsinniges machen lassen, ein Elefant in der Badewanne spritzt Wasserfontänen aus seinem Rüssel, Basketball spielende Affen werfen einander den Ball ins Gesicht, die Mähne eines Löwen darf in unterschiedliche Richtungen geföhnt werden, ein Bär quetscht sich etwas unbequem auf unseren Bildschirm. Mein persönlicher Liebling ist übrigens der Dackel.

Die Tiere sind jeweils nur mit wenigen Strichen gezeichnet. Die Kurzspiele extrem einfach. Zu gewinnen gibt es nichts. Auch einen High-Score oder eine Hintergrundgeschichte sucht man vergebens. Der Hintergrund ist einfarbig, die Übergänge von Tier zu Tier sind in ihrer Traumhaftigkeit hypnotisierend. Am ehesten erinnern die Spiele vielleicht an die Tiergedichte von Jacques Prévert. Vielleicht aber auch nicht. Das ist jetzt auch wirklich nicht so wichtig. Wichtig ist, dass man dem Spiel anmerkt, dass es bewusst dafür designt wurde, uns und unseren Kindern zu gefallen: kein unangenehmer Ton, keine grellen Aufmerksamkeitsschreie.

Vielleicht ist es in diesen Zeilen schon etwas durchgeklungen. Das Spiel wird uns und unsere Kinder nicht über Stunden mit pädagogisch wertvollen Inhalten beschäftigen, aber es zieht doch für einige Minuten unsere Aufmerksamkeit in seinen Bann. Und manchmal können in diesen Wochen ja schon ein paar Minuten sehr helfen.

Der Streichelzoo ist für iOS und Android erschienen.

Im vollständigen Kampagnenmodus ist es nicht nur nötig, seine Stadt zu errichten und die Versorgung sicherzustellen, sondern man hat sich auch gegen viele Gefahren zu verteidigen: Da gibt es Räuber, feindliche Heere und sogar Drachen, die die eigene Stadt bedrohen. Am anderen Ende der Schwierigkeitsskala ist der Sandbox-Modus, in dem es keine Herausforderungen gibt und in dem ich wie auf dem Reißbrett meine Traumstadt mit riesiger Burg, großer Stadt und mächtigen Befestigungsanlagen hochziehen darf, ohne auf Ressourcen oder gefahren achten zu müssen.

Ich habe beim Spielen mit meinem fast siebenjährigen Sohn den Mittelweg gewählt: Wohl mussten wir klug planen und bauen und auf die wachsende Anzahl von Ressourcen achten, die meinen schrittweisen Ausbau begleiteten. Ohne Holz kann man eben kein Haus bauen, ein Steinbruch liefert Material und bevor ich eine Schatzkammer errichtet habe, kann ich eben keine Steuern einheben. Meine Bewohner wollen essen, also muss ich Felder, Fischereiflotten und Schweinefarmen bauen. Hin und wieder bricht ein Feuer aus, einmal sorgte sogar ein Aufflammen der Pest für eine (zum Glück kurze) Winterkrise.

Feinde haben wir allerdings in unserer Partie keine zugelassen. Wir wollten eben beide nicht immer wieder gegen Angreifer kämpfen müssen, oder riesige Verteidigungsanlagen bauen. Wir wollten ein Dorf zum Städtchen zur Stadt werden lassen; das ist schon Herausforderung genug, denn Stress soll der unter der Haube erstaunlich vielschichtige Aufbau nicht mehr als nötig machen. Kingdoms & Castles ist erstaunlich komplex und zugleich so freundlich, dass man es gemeinsam mit großer Begeisterung spielt; und der Sandkastenmodus ist überhaupt so etwas wie der Mittelalter-LEGO-Baukasten für groß und klein. Ein kleines, großes Spiel für jeden.

Kingdoms & Castles ist für Windows, Mac und Linux erschienen.

Dass man die eigenen Kinder nicht spielen lassen will, hatte ich immer als eine Art Schonhaltung erwachsener VideospielerInnen empfunden. Je besser man Videospiele und ihre Mechanismen kennt, desto größer wird die Furcht vor ihnen: dass sie Sucht erzeugen, falsche Rollenbilder vermitteln, Militarismus und Neoliberalismus glorifizieren, politisch meist rechts, intellektuell meist unten und ästhetisch ganz weit hinten stehen. Dass sie dunkle Designmuster gegen uns verwenden und oft so etwas wie Spaß machen, aber bestimmt keine Freude.

Ich spiele oft und viel Videospiele. Besonders liebe ihre entgrenzten Zustände (ja, gerade auch Gewalt), den Flow und ihr unerforschtes Potenzial. Gerade in so einer Zeit der Begrenzung und Verdichtung ermöglichen sie mir die Flucht ins Innere. Aber ich fürchte auch die dunklen Mechanismen der Spiele, die zwanghaften Spiel-Schleifen, die gezielte Frustration, das ewig uneingelöste Versprechen – also genau die verengten Zustände und Zwänge, denen ich entkommen will. Gerade in so einer Zeit der Ohnmacht, scheinen mir Spiele ein Gefühl von Kontrolle zu geben – und das Erfolgserlebnis, etwas, das nur mich etwas angeht, besonders gut zu können. So zu spielen ist keine Flucht sondern Vereinzelung.

Ich kann mein Kind nicht mit Videospielen alleine lassen. Aber ich kann mit ihm zusammen spielen. Hin und wieder darf es eine Gamepad in die Hand nehmen und ein bisschen Motorrad oder Auto in Burnout Paradise fahren. Ich gebe Gas, mein Kind lenkt. Am Handy hat es sich weitgehend selbst beigebracht, mit Space Agency ( Android / iOS ) eine vorgefertigte Rakete zu starten – nur darf es selten ans Handy. Deswegen baue ich und mein Kind startet. Bevor die Rakete im Orbit ist, ist das Spiel langweilig geworden. Nur der Countdown zählt. Am meisten Spielzeit verbringt mein Kind aber mit mir und Kerbal Space Program. Länger als 20 Minuten hält es das nicht aus – und das ist natürlich der Grund, warum wir genau das spielen.

Das hübsche Rätselspiel Windosill von Vectorpark ist für mein Kind nicht mehr als ein Papierpuzzle. Dessen Pixelwelten sind genau so im Hintergrund, nur funktionell wichtig, wie das zerlegte Bild auf den Puzzlestücken. Der tolle Unsympath Chuchel von Amanita Design lässt mein Kind kalt. All die schönen Charaktere und anderen Spieldinge nimmt mein Kind nur als Spielzeug wahr, als Objekt seiner Spiellust. Dabei sind doch gerade Emotionen und Gemeinschaft, was meinem Kind fehlt. Ihr wie auch immer gearteter poetischer Charme oder ludische Tiefe offenbaren sich nur mir – es sind Spiele für Eltern. Emotional und erzählerisch und intellektuell ist er am Fernsehen besser aufgehoben.

Diese Beobachtung hat mich ganz bange gemacht: Erstens muss das falsch sein, weil Fernsehen kacke ist. Zweitens könnte das ja auch auf mich zutreffen: Spiele ich etwa auch aus den falschen Gründen und verpasse die kommunikativen und kulturellen also anschlussfähigen Schätze des Fernsehens?

Vielleicht spielt mein Kind einfach zu wenig Videospiele, um deren anderen Gehalt als den der schnellen Reiz-Reaktions-Befriedigung zu erkennen? Ich würde gerne mit meinem Kind darüber reden können, was es spielt und wie es das wahrnimmt. Es soll nicht allein sein, es könnte unsere gemeinsame Sache sein – und immerhin, glaube ich, würde ich es verstehen können. Als ich ein Kind war, verstand niemand, warum Videospiele magisch waren. Und es interessierte sich auch niemand dafür. Aber ich befürchte, dass ich zu viel von meinem Kind erwarte. Vielleicht fehlt ihm schlicht die Fantasie dafür.

Vielleicht braucht man erst eine ausgeprägte Fantasiewelt oder wenigstens die zu ihrem Aufbau nötigen Werkzeuge, um in Spielen mehr sehen zu können als eine Befriedigungsmaschine? Welche Wirklichkeit offenbart sich meinem Kind durch einen Bildschirm? Oder genauer: Habe ich überhaupt selbst verstanden, welche Wirklichkeit ich in Spielen erlebe?

Ich habe das Gefühl, dass die meisten Spiele sich ihres Traumhaften nicht bewusst sind und sogar viel zu stark auf ihren angeblichen Zusammenhang pochen oder ihn erzwingen oder durchsetzen wollen. Ich vermute, dass dieses Pochen auf Kohärenz in den meisten Fällen nur den Traumcharakter verstärkt, weil es eine weitere Verengung ist und zwangsläufig ständig auf Widerstände und Widersprüche stößt oder sie erst provoziert. Vor allem erschweren sie damit ihr größeres eskapistisches Potenzial. Man muss die sehr verengten, sehr begrenzten Videospielwelten mit großer Anstrengung aufknacken und umformen, damit sie ein Teil der Fantasie werden können. Sie müssen das explizit Spielhafte verlieren, um zum Traum zu werden.

Videogame Tourism: Mundaun ist nicht nur der Name deines Spiels, sondern auch eines für dich wichtigen Ortes in den Schweizer Bergen, der das Spiel massgeblich beeinflusst hat. Wie oft musstest du mittlerweile nach Mundaun fahren im Zusammenhang mit dem Marketing?

Michel Ziegler: Drei- bis viermal. Alle haben irgendwie alle dasselbe gewollt. Aber man ist ja auch dankbar dafür, dass es die Leute interessiert, da sagt man nicht nein.

Hat sich dein Verhältnis zum Ort Mundaun verändert? Durch die Erstellung des Spiels, aber auch durch diese PR-Besuche?

Ein wenig vielleicht. Da das Projekt so lange gedauert hat, haben sich die Besuche und Ferien dort auch allmählich anders angefühlt. Es war irgendwie vorbelastet. Man sagt sich: “Ich könnte hier noch diesen Sound aufzeichnen, oder ein Foto machen, oder das Ding finden, das ich brauche…” Es war dadurch kein Ort mehr zum Abschalten.

Denkst du, das kommt wieder? Oder hast du mittlerweile das Gefühl, dass Mundaun für dich verbraucht ist und du lieber anderswo Ferien machst?

Das nicht. Ich fuhr ja auch da hin, weil die Zeit oder manchmal das Geld fehlten für einen anderen Ort. Und in der Pandemie war es ohnehin ein guter Ort -- wenige Leute, viel frische Luft.

Hat sich auch dein Verhältnis zu den Menschen dort verändert? Das Spiel hat ja auch in der Schweiz relativ viel mediale Aufmerksamkeit bekommen. Haben die Leute dort mitbekommen, dass du ein Spiel über “ihren” Ort machst?

Ich glaube nicht, dass sie das mitbekommen haben. Es ist sehr klein. Ich weiss nicht, wer dies hätte verfolgen sollen. Dagegen habe ich von einem Anwalt in Zürich gehört, der in Mundaun bauen oder ein Hotel renovieren will. Er wollte mich anstellen für ein PR-Ding und wollte mich bekannt machen mit dem Bürgermeister, bevor ich dann nichts mehr gehört habe. [lacht] Aber sonst haben die Leute vermutlich wenig mitbekommen. Dagegen habe ich nach dem Release Feedback bekommen von Leuten aus Graubünden, oder Rätoromanisch sprechenden Personen, das meistens positiv war. Aber eher von jüngeren Menschen, die auch Games spielen.

Und in deinem Umfeld? Haben die Leute dort das Spiel gespielt? Oder ging das völlig an ihnen vorbei?

Es war schon oft eine Arbeit im stillen Kämmerlein. Die Zeit ist letztlich auch so schnell vorbeigegangen, ich war immer so beschäftigt. Gelegenheit zu sagen, wo man gerade steht, blieb da gar nicht so sehr. Ich war meistens eher im Stress. Man wusste schon davon, aber vielleicht glaubte man auch gar nicht mehr daran, dass es tatsächlich erscheinen wird. Game-Entwicklung war, zumindest bei mir, ein einsames Ding.

Deinen beruflichen Hintergrund -- Informatik, dann Studium der Illustration -- hast du ja bereits häufiger erklärt in Interviews. Interessieren würde mich aber etwas Anderes: Du wohnst ja in Luzern, einem sehr katholischen Kanton. Bist du auch religiös aufgewachsen? Ich frage dies, weil ich selbst in einer stark katholisch geprägten Gegend aufgewachsen bin. Dort war ein Bezug zu Sagen nicht nur etwas “Angelesenes”, sondern etwas Erlebtes. Meine Eltern und Großeltern, teilweise aber auch Leute aus meiner Generation, waren noch tief verwurzelt in der quasi-mystischen Seite des Katholizismus, wo man mit Toten redet, Geister sieht und der Teufel umgeht.

Ich komme ursprünglich aus dem Kanton St. Gallen, wo der Katholizismus zwar auch präsent ist, aber nicht in dieser Weise. Ich habe mich tatsächlich eher “reingelesen” in diese Tradition. Als Kind hatte ich eine Kassette mit eher düsteren Sagen, die ich rauf und runter gehört habe. Das hat mich sehr begeistert, und es ist sicher eingeflossen in dies Spiel.

Hast du Lieblingssagen?

Das ist schwierig… ich habe generell ein mega schlechtes Gedächtnis. Zurückgeblieben ist mehr eine Atmosphäre, ein Gefühl, als konkrete Geschichten oder Plots. Was mir sicher immer gefallen hat, waren alle Geschichten, in denen der Teufel vorgekommen ist.

In Mundaun nimmst du ja teilweise Bezug auf solche Geschichten, die zumindest in der Schweizer Folklore sehr bekannt sind. Hattest du in der Spoiler-fixierten Kultur, in der wir ja leben, je Bedenken, ob du dadurch zu offensichtlich bist und einem Teil des Publikums eine Überraschung vereitelst?

Nein. Ich finde es auch nicht schlimm, wenn jemand beim ersten Treffen erkennt, mit wem sie es zu tun haben. Die Geschichte von Mundaun hängt auch nicht zu stark an Überraschungen oder Plottwists.

Die Kehrseite der größeren Vertrautheit wäre es ja, dass Spieler:innen aus anderen Kulturkreisen das Ganze als Mindfuck, als völlig seltsam empfinden. Gab es solche Reaktionen? Wie gehen die Leute mit dieser “Fremdheit” um?

Es gab schon gewisse Kommentare in diese Richtung. “Creepy” und “weird” sind Begriffe, die oft gefallen sind. Das war aber durchaus auch eine Absicht oder eine Hoffnung: Dass Mundaun interessant ist für Leute, die diese Welt überhaupt nicht kennen.

Nicht nur Mundaun, auch du widersprichst gewissen Indie-Klischees. Dem des “typischen” Schweizer Indie-Entwicklers, etwa. Da denkt man zunächst an den Game-Design-Studiengang an der Zürcher Hochschule der Künste, und dann an diesen “Kuchen”, der sich um die Pro Helvetia und die hiesigen Games- und Film-Festivals gebildet hat. Inwiefern empfindest du dich als Teil davon?

Nicht wirklich. Ich habe ja Illustration studiert, nicht Game Design. Aber klar, es bilden sich schon Szenen um solche Institutionen. Auch ich hab Berührungspunkte, aber ich habe es durchaus auch geschätzt, da etwas außerhalb zu stehen.

In einem Interview hast du gesagt: “Lokal ist nicht schlau.” Das war ein schöner Satz, der mich erinnert hat an etwas, das die Schriftstellerin Dorothee Elmiger einmal in einem Interview gesagt gesagt hat: “Mich nerven halt diese Schweizer Alpenbücher, diese Geschichten aus den Bergen mit ihren archaischen Gestalten. Diese Kobolde oder was. Das ist doch einfach Ethnoliteratur. Die Alpen werden zu einer seltsamen Idylle verklärt.” Gab es bei dir auch Momente, in den du Angst hattest, auf dieser Schiene zu landen? Lokalkolorit-Overkill? Alpen-Ethnokitsch?

Nein, ich habe es nie so angeschaut. Klar ist es irgendwie verklärt. Es war aber nicht das Ziel, einen Kommentar zu machen, so etwas interessiert mich weniger. Ich würde sogar zugeben, dass die Welt von Mundaun in gewisser Hinsicht kitschig ist. Aber das war mir auch bewusst, dass irgendwo diese Vision der heilen Alpen-Welt reinspielt. Letztlich hängt es jedoch davon ab, was man damit macht. Man könnte das Ganze natürlich mit Klischees vollladen. Aber es ist mehr eine Location, in der das Game spielt. Diese Idee, dass die Welt früher besser war und in den Bergen immer noch, das ist hoffentlich nicht erkennbar. Ich hatte zugegebenermaßen manchmal Angst, dass plötzlich die SVP kommt und zu mir sagt: “Geil, das ist jetzt mal ein richtiges Schweizer Spiel.” Diese Befürchtung, dass es Leute gibt, die das so interpretieren, war schon da.

Da hilft es ja wohl auch, dass Mundaun auch ein Horror-Spiel ist. Von Idylle und heiler Welt ist nicht lange viel zu sehen. Selbst gewisse Enden des Spiels dekonstruieren die Idee, dass alles wieder gut sein kann.

Ja, und wenn man die Achievements anschaut, ist dies das Ende, das die meisten Spieler wählen. Ich selbst hätte vermutlich auch dieses gewählt: Der Weg dahin führt ja über den Versuch, dem Teufel das Handwerk zu legen. Ich selbst agiere in den meisten Spielen ja auch eher auf die moralisch gute Weise. Wenn das Ende dann doch nicht ganz so happy ist, ist das hoffentlich auch eine gute Überraschung.

Möglich wäre ja auch die umgekehrte Reaktion gewesen: Dass sich der Mundauner-Tourismusverbund darüber echauffiert, dass das Spiel die Gegend in einem so düsteren Licht malt.

Eh, man weiss nicht, wie die Leute reagieren. Es wäre ja auch schön gewesen, zu hören: “Jetzt kommen die Leute nicht mehr Skifahren hier, weil sie denken, dass da oben der Teufel wohnt!” Aber letztlich sind das parallele Welten, an den typischen Ski-Touristen geht das Spiel vorbei.

Man darf also nicht erwarten, dass künftig in einem Tourismus-Büro neben Hochglanzprospekten eine Box-Version von Mundaun zum Kauf angeboten wird?

Du wirst lachen, aber so etwas habe ich mir schon überlegt. Oder eine Museumsversion. Man muss sich ja fragen, wie man davon leben kann. Aber das ist dann irgendwann untergegangen, zum Glück, als ich durch den Publisher ein Budget erhalten habe.

Thematisch hab ich mich auch gefragt, wie du zum Krieg gekommen bist. Mein Großvater, der den Zweiten Weltkrieg im Wallis, einem anderen Schweizer Bergkanton erlebt hat, beschrieb diese Jahre nicht ohne schlechtes Gewissen immer als eine letztlich nicht so üble Zeit: Er konnte als Militär-Trompeter täglich seiner Leidenschaft, der Musik, nachkommen, und war auf einem Grenzpass stationiert, auf dem sie sogar Freundschaften schlossen mit italienischen Truppen. Anders gesagt: Den Krieg erlebte man in der Schweiz nicht zwingend als Katastrophe. War das in deiner Familiengeschichte anders?

Das nicht, aber das Thema Krieg ist in der Schweiz halt schon unterschwellig immer präsent, mit unseren überall versteckten Bunkern, dem Reduit und der allgemeinen Wehrpflicht. Das hat mich schon als Kind fasziniert. Wir haben Militärlis gespielt mit alten Uniformen. Und ich fand diese Dinge, wie den alten Militärtornister des Großvaters, hatten schon eine Anziehungskraft.

Ich muss im Rückblick zugeben, dass ich überrascht war darüber, wie… kompetent das Spiel in Sachen Game Design war. Klar, der Begriff “janky” fällt teilweise zurecht. Aber als ich zum ersten Mal vom Spiel gehört habe, erwartete ich eher ein Spiel, das den Fokus auf die Ästhetik setzt und das Gameplay eher ignoriert, vielleicht etwas im Stil eines Walking Simulators. Das ist Mundaun aber nicht, es ist ein sehr souverän designtes, abwechslungsreiches Spiel. Vor allem das “Pacing”, die Rhythmisierung des Spiels ist für mich außergewöhnlich gelungen. Ich würde sogar sagen, dass es in dieser Hinsicht das bestes Adventure-artige Spiel ist, das ich je gespielt habe. Gab es hier Orientierungsgrößen, Inspirationen, an denen du dich ausgerichtet hast? Oder bist du per Intuition oder Testen darauf gekommen?

Es ist eine Mischung. Im Rückblick hat man manchmal das Gefühl, das Spiel sei “einfach so entstanden”. Aber natürlich trifft man jeden Tag zig kleine Entscheidungen, die prägen, in welche Richtung es geht. Es gab durchaus ein paar Eckpunkte: Den Bunker, den Skilift und so weiter. Das hilft als Anker. Ich konnte dann quasi alles dazwischen ausfüllen. Das ermöglichte es auch, weniger linear vorzugehen und gute Ideen an verschiedenen Stellen einzubauen. Dass es so gut funktioniert, ist aber auch der Tatsache geschuldet, dass sehr viel Zeit investiert worden ist. Zu Beginn waren die Levels noch sehr “rough”. Alles andere braucht dann Zeit. Man muss immer wieder sehen, was noch Sinn macht, aber auch, was sich nicht mehr ändern lässt. Das klingt vielleicht esoterisch…

Ich würde eher sagen, dass es nach einem iterativen Prozess klingt.

Ja, das ist vermutlich genau das Ding. Ich verstehe nicht, wie manche Leute das Gefühl haben können, dass sie möglichst alles schon wissen müssen, bevor sie überhaupt mit er Arbeit beginnen.

Es ist letztlich ja auch bewundernswert, dass du Mundaun nach all dieser Zeit überhaupt noch fertiggestellt hast. Viele Projekte, etwa auf Kickstarter,sterben ja irgendwann auf der Durststrecke, oder sie ersaufen im Feature Creep. Gerade für ein Debüt-Spiel ist Mundaun nach all diesen Jahren erstaunlich gut herausgekommen. Würdest du dich grundsätzlich als disziplinierten Menschen betrachten?

Ein noch größeres Minenfeld der Erwartungen liegt jedoch vor Mod-Teams, die sich daran wagen, eine frühe Version von Half-Life 2 zu restaurieren, die 2003 während der Entwicklung (und damit unfertig) durch den deutschen Hacker ‚Ago‘ gestohlen und im Internet veröffentlicht, also ‚geleakt‘ worden war. Die Nostalgie verstärkt sich hier nicht nur dadurch, dass es bis heute noch keiner Mod gelungen ist, diese düsterere Fassung von Half-Life 2 als Spiel fertigzustellen, sondern auch angesichts des diffusen Ausgangsmaterials, das vielen verschiedenen Vorstellungen Raum gibt, wie Half-Life 2 hätte sein können (bzw. nach Ansicht mancher hätte sein sollen).

Die Entwicklung von Mods wie Dark Intervall oder Raising the Bar: Redux wird daher von Fans mit Argusaugen begleitet. Dass ein Hacker (der sich passenderweise ebenfalls ‚Ago‘ nannte) sogar nicht mal davor zurückschreckte, auch eine frühe Version von Raising the Bar: Redux zu ‚leaken‘, war dabei aber nur eine der Herausforderungen, denen sich David Driver-Gomm, Lead Developer dieses Projektes, im Laufe seiner Karriere als Modder stellen musste, wie er im folgenden Interview verrät (darunter findet sich ein Transkript, das noch zusätzliche Kommentare von ihm bietet!) …

Für alle, denen das Prinzip des Modderviews (noch) nichts sagt: Dieses wandelt sich von Interview zu Interview, da die Befragten nicht nur die an sie gestellten Fragen ändern/ersetzen können, wie sie es sonst mit Spieldaten tun. Durch ihre Überarbeitungen haben sie außerdem die Möglichkeit, Fragen im nächsten Modderview zu beeinflussen – nach dem Motto: „Don’t like the question? – MOD IT!“ …